Sinopsis
Es el último de sus proyectos, un proyecto de supervivencia, pero no se trata de sobrevivir de cualquier forma, su concepto de supervivencia se basa en la practicidad y en la intensidad. Nos enfrentamos a hombres frustrados ante su desconocido futuro, hay que adaptarse a los tiempos que corren y tomar caminos nuevos, nada de gente pasiva. Por supuesto, sin olvidar el ingrediente fundamental: el humor.
Valencia
Tras muchas colaboraciones juntos, los artistas Jaume Pérez y Juli Disla deciden unirse y crear Pérez&Disla, poniendo en marcha algunos de sus proyectos. Y parece que no les va nada mal.
Los valencianos Pérez&Disla llegaron a feSt, con una intención y objetivos muy claros: Logar la complicidad del público a través de la risa, haciendo uso de recursos y temáticas cercanas, contemporáneas. Muchas de las claves de ‘El Hombe Menguante’, obra con la que participaron en la edición de feSt 2015.2016, en Teatro la Fundición— nos la contaron en la entrevista #MuyDeEscenarios que entonces nos ofrecieron, y que hoy recuperamos de cara a su nueva apuesta para conquistar Sevilla: ‘Cariño’.
– Todos vuestros proyectos tienen un componente muy reflexivo y contemporáneo. ¿Vuestro concepto del teatro pasa inevitablemente por este compromiso? ¿Os sentís acompañados por la profesión y el público en este viaje?
Son proyectos íntimamente vinculados a nuestro presente, con sus luces y sus sombras. Estamos viviendo tiempos de cambio. Estamos mutando. Nuestro sistema de supervivencia ha dejado de ser efectivo. Tenemos que tomar nuevos caminos, caminos a veces estrechos, provisionales, difíciles o extraños. Así que dejemos atrás convenciones estáticas e ideas fijas sin temor a cuestionarnos. Es el viaje que proponemos al público. Los espectadores siempre participan de manera más o menos consciente, interpretando lo que observan, organizando y dando sentido a eso que están observando. Nosotros, aquí, evidenciamos y aprovechamos esos recursos. Abriendo espacios que han de llenar, pidiéndoles que nos ayuden, ya que solos y debido a nuestra precariedad, ni podemos, ni queremos. Pero no damos por hecho que el espectador se implique en lo que está viendo y tratamos de activar continuamente su interés. Interiormente es una vivencia apasionante. Se crea una sensación de integración de público y espectáculo muy intensa.
– Cuando nos acercamos a ‘El Hombre Menguante’ vuestra obra, no podemos evitar pensar en el enfoque humorístico. Estamos ante una comedia que trata un tema, como hemos apuntado, muy contemporáneo: el hombre alienado, la permanente incomodidad vital, nuestro encaje ante un mundo que nos dicta de forma agresiva cómo ser, o las actitudes que elegimos ante esa violencia soterrada. ¿Cómo conseguís que una temática grave y profunda se convierta en comedia?
El humor está siempre presente en nuestras propuestas. En este montaje abordamos el tema de la supervivencia en un entorno hostil donde nos sentimos cada vez más aislados, más excluidos, más vulnerables, más desencantados pero no queremos caer en el victimismo. El humor nos permite tomar distancia, relativizar lo que nos afecta sin necesariamente banalizarlo, encarar los problemas desde una perspectiva diferente y lúdica. Buscamos sacar algo en positivo para no sumirnos en la impotencia. Además, a nosotros no nos gusta pasarlo mal.
– Estamos ante un espectáculo que prescinde de escenografía, efectos de sonido o una iluminación sobrecargada ¿resultó difícil llenar el espacio escénico sin el apoyo de estos recursos o, por lo contrario, ha sido un elemento liberador para su elaboración?
Forzosamente tenemos que trabajar con lo que está a nuestro alcance. Nos hemos ido habituando a la precariedad y la escasez de medios. A crear mecanismos para resolver la falta de recursos, a convertir la necesidad en virtud. Pero en este espectáculo en vez de tratar de suplir la carencia hemos decidido encararla. Si hemos sido desposeídos, habitemos ese vacío, percibamos el imperativo o la necesidad inicial de llenarlo, el vértigo que nos provoca. Habitar de el vacío sin negarlo, experimentarlo, reconocerlo. Inicialmente es difícil pero una vez te lanzas, esa incertidumbre te lleva a tomar conciencia de otras posibilidades que se abren. A no mirar lo que se te pone delante sino a todo lo que puede suceder alrededor.
– La clásica película de Jack Arnold nos ha dejado a todos imágenes en el recuerdo por ese hombre que no para de menguar. ¿Es a partir de este film de donde surge la idea y el desarrollo de la vuestra obra, o es solo una metáfora que se ajusta al concepto de la misma?
La película opera de forma paralela a nuestra puesta en escena. En el teatro todo es posible, porque es un hecho convencional donde se juega a contar historias, representar personajes, crear emociones, lanzar reflexiones…, pero se puede prescindir de la historia, de los personajes, de situaciones…, porque todo es puro juego; se trata de proponer un juego que implícitamente acepte el espectador. La película nos sirve como hilo conductor y metáfora. Nos valemos de ella como ilustración narrada del suceso escénico que presentamos.
– En el largo recorrido por los escenarios de ‘El hombre menguante’ ¿Qué impresiones habéis recibido del público? ¿Qué sensación percibís que tiene al salir de la sala? ¿Se acerca a vuestra concepción de lo que debe transmitir la obra?
Cada función es diferente porque nuestros interlocutores, el público, también lo son. Nosotros tratamos de mantener viva esa relación. EL HOMBRE MENGUANTE tiene la peculiaridad de hacer que la mayoría de la gente se sienta identificada con muchos aspectos que plantea y, a la vez, que cada uno viva la experiencia de una manera diferente. Al acabar la función siempre hay espectadores y compañeros que se nos se nos acercan porque se sienten interpelados y vemos como sus propias vivencias condicionan la interpretación personal de lo que les transmite la obra. Cada encuentro con el espectador da sentido a nuestro trabajo.
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