El actor y director nos ofrece detalles sobre esta obra y valora la amplia y laureada trayectoria de la compañía.
El actor y director nos ofrece detalles sobre esta obra y valora la amplia y laureada trayectoria de la compañía.
– La sinopsis de esta obra empieza con la famosa cita de Shakespeare «qué mal le sientan las canas al payaso», ¿qué tiene esta figura que tanto nos fascina, llegando incluso a existir síndromes como la coulrofobia? Imagino que la figura del payaso tiene mucho que ver con la infancia, con algo que está arraigado en nuestro subconsciente, si nos ponemos freudianos. Para bien y para mal. Es una figura que tiene su lado siniestro, puede provocarnos miedo, pero también ternura y patetismo. Su visión del mundo suele ser muy pura, muy ingenua, casi como la de un niño. Pero también es una figura trágica: el payaso triste, que hace reír a los demás pero que en el fondo está destrozado, es una imagen muy potente y clásica de las contradicciones de la condición humana, de sus aristas. En contra de lo que pueden pensar algunos, el payaso es una figura muy compleja. Y ser payaso es una de las disciplinas más difíciles que existen en el arte escénico. Nosotros, de hecho, no somos payasos ni pretendemos serlo en el escenario. Sería un engaño, una mentira. Y éste es un espectáculo en el que pretendemos ser muy honestos.
– Suponemos que esta parábola del payaso viejo sirve como evidente metáfora de la realidad en la que nos encontramos, cada vez más triste y dura, ¿qué podemos aprender, para nuestra propia lucha diaria, de estos tres personajes con los que nos encontraremos sobre las tablas? No pretendemos dar una lección a nadie con este espectáculo. Ante todo, pretendemos ponernos en cuestión a nosotros mismos. El problema de estos payasos es el mismo que tenemos muchas veces como sociedad: dar por sentadas cuáles son las “reglas del juego”. Se nos vende que debemos ser competitivos, luchar entre nosotros, ser los mejores, pasar por encima de los demás… Si no triunfas, no es por la crisis o por cómo está organizado el sistema, sino porque no luchas lo suficiente. Si no eres un triunfador, eres un perdedor. Y eso genera una sensación general de fracaso, de inutilidad… El sistema nos obliga a devorarnos entre nosotros, y nosotros lo aceptamos. Pasa también en el mundo del arte y la cultura, con las luchas que existen entre compañías por vender funciones (en espacios tan perversos como las ferias de teatro), conseguir subvenciones, los premios, la taquilla… Todo es competitividad.
– Habéis adaptado el texto «Angajare de Clovn», de Matei Visniec, ¿qué os llamó la atención del mismo como para querer embarcaros en este proyecto? El primer impulso fue emocional y vital. Quiero decir que nos sentimos muy identificados con un texto que habla del reencuentro de tres payasos fracasados. Este montaje supone el reencuentro de Alfonso, Paco y yo después de trece años sin trabajar juntos. Cuando decidimos reencontrarnos y hacer algo juntos, nos dimos cuenta de que a los tres nos embargaba una sensación de fracaso, de falta de ilusión, incluso de apatía hacia ciertas dinámicas teatrales y culturales. ¿Cuál era nuestro lugar dentro del panorama teatral y cultural? Realmente, ninguno. Nos sentíamos al margen de todo. No nos sentíamos ni comerciales ni alternativos. No pertenecíamos a ninguna “familia”, a ninguna “secta teatral”… Nos sentíamos solos, apátridas… Y en el texto de Visniec vimos reflejada exactamente esa sensación que teníamos.
– Cámara Negra lleva más de tres lustros montando textos de Shakespeare, Chejov, O’Neill, Müller, Ibsen, Koltés o Dostoievski, recibiendo premios como el de la ADE, un Telón Chivas y hasta un MAX, además de calificativos como «experimental», «austera», «visceral», «comprometida» o «impactante». ¿Cómo veis la carrera de la cía., desde lo lejos, en estos momentos? Cámara Negra es una compañía de trayectoria irregular. No tiene actividad constante, porque no tiene un equipo estable y toda la gente que ha ido pasando por la compañía (incluido yo mismo) hemos ido compaginando Cámara Negra con otras actividades, que son las que nos han dado realmente de comer. La compañía es un espacio de libertad para nosotros, para jugar, investigar, probar, donde no queremos que haya ningún tipo de injerencia ni comercial ni institucional (por eso no pedimos nunca subvenciones). Eso tiene un precio, evidentemente: no podemos vivir de Cámara Negra. Pero la libertad que tenemos es absoluta. Ése creo que es el mayor logro de la compañía después de tantos años: no haber pactado nunca, mantenerse fiel a sus principios y a su forma de entender el hecho escénico.
– Vuestros montajes han viajado por toda España, por supuesto, además de por Francia, Cuba, Grecia, Alemania o Malta. ¿Existen diferencias palpables entre todos estos distintos públicos? ¿Qué respuesta esperáis del público sevillano en estos cuatro días que os acoge La Fundición? Cada público es diferente, no sólo en distintos países sino también dentro de España y dentro de una ciudad como Sevilla, básicamente porque cada persona es diferente. A mí me cuesta mucho pensar en términos de “público”, así en general (volvemos a los términos que mercantilizan el arte), y prefiero pensar en “espectadores”, es decir, en personas concretas, individuales, que se acercan a compartir con nosotros un momento único, a tener, por un momento, una cierta sensación de comunión. El espectador ideal es el que viene sin prejuicios, con ganas de entrar en la propuesta que se vaya a encontrar, de dejarse sorprender. Un espectador inquieto, crítico y activo. Si conseguimos que entre en nuestro universo durante la hora y cuarto de función, que nuestra ceremonia escénica le toque de alguna forma y le remueva algo por dentro, el objetivo estará cumplido.
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– Solicitud en las salas de Escenarios de Sevilla. Formulario en papel a rellenar y entregar en las taquillas de cada sala. Recibirá un email de confirmación de su solicitud en el que le informaremos de la fecha de recogida de la tarjeta en la sala (dentro del horario de taquilla) de Escenarios de Sevilla elegida.
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