– Tate, si no nos equivocamos, esta es la tercera entrevista que nos concedes en un periodo de relativamente pocos meses. Desde Escenarios de Sevilla al menos, tenemos la impresión que tu actividad como profesional de las Artes Escénicas y con Teatro en el Mar es frenética, ¿es así? Sí, creo que sí. Hay años y años. El pasado 2017 y este 2018 parecen ser años de muchísima productividad. Uno no siempre se encuentra con las mismas fuerzas o velocidades. Ahora quiero aprovechar esta ebullición en mí. Ya llegará por sí mismo el parón. Antes de que termine la temporada, estrenaremos una pieza en inglés sobre Silvia Plath, un espectáculo de calle en Sevilla aún por confirmar, y yo firmaré la dramaturgia de un proyecto internacional con artistas de Chile, México y España, financiado por Iberescena, que se estrenará en Sevilla a final de año y estará de gira por Chile en 2019.

Además de la funciones y la gira por Chile de «Romeo (o Julieta dormida)» en mayo de este año.

– ‘Romeo (o Julieta dormida)’, ‘Lorca de Salón’ o en breve el estreno de ‘Antigona Ex Machina’, son tres espectáculos que están acogiendo nuestras salas. A pesar de ser muy diferentes, ¿podrías establecer alguna conexión entre ellos? ¿Crees que Teatro en el Mar tiene definido su estilo teatral? Pienso que sí, aunque no es algo que pueda asegurar yo, si no el público. Yo estudié la carrera de filosofía y creo que mis espectáculos se mantienen sobre un sustrato filosófico buscado. Los espectáculos son como cebollas. Hay muchas capas, si en ese momento como espectador sólo ves la primera, está bien, pero hay más. Además siempre me gusta meter algo que estoy seguro que el público no entenderá, un detalle demasiado personal o algo excesivamente especializada. A mí como espectador me gusta no entenderlo todo. Dejarle un lugar al misterio. En el caso de «Antígona Ex Machina», estos detalles filosóficos van más allá, porque se convierten en materia misma del espectáculo. Hay textos de Nietzsche, o incluso la traslación a lenguaje lógico-filosófico del discurso en el que Creonte explica por qué va a matar a Antígona. Algún texto en griego, latín, polaco…

A nivel formal también hay similitudes entre los espectáculos, como la profundidad del Teatro Nō japonés o las diagonales de Lecoq. Me gusta utilizar todo lo que me apasiona, y eso genera cierto estilo a lo largo del tiempo, pero no quiero sentirme esclavo de mi propio estilo, no creo que eso sea algo que se pueda buscar. Entre los proyectos que tengo en mente están dos tan diversos como una obra naturalista sobre el origen de la Hermandad de los Negritos y «El capitalismo me ha salvado la vida», un espectáculo que mezcla artes escénicas, plásticas y música electrónica sobre cómo me relaciono con el mundo global a través de las farmacéuticas.

– ¿Por qué has elegido este clásico de Sófocles para adaptarlo a los escenarios? Porque todos los conflictos que aparecen en la obra siguen vigentes hoy día en formas muy distintas. En la Grecia Antigua, los escritores eran también filósofos y se les exigía que los parlamentos de los personajes estuviesen razonados. Hoy los vemos como atrevidos y fáciles de llevar a un terreno político. Entonces eran lo normal. Los textos brillaban por un nivel de razonamiento enorme. Hoy, en cambio, se llama teatro político a textos o espectáculos propagandísticos o panfletarios. Me causa una enorme admiración Sófocles y es uno de los escritores que me ha acompañado desde que empecé a interesarme por el teatro.

Por otra parte, necesitábamos una obra donde el conflicto no fuera importante a nivel dramático, es decir, de desarrollo. En la «Antígona» de Sófocles, toda la trama (incluido el final) se explica en la primera escena. Eso nos permitía poder dedicarnos a crear desde la estética con muchísima libertad, dado que no hacía falta explicarle al público más que lo que ha visto en los primeros cinco minutos. El resto del tiempo es para disfrutarlo.

Por último, en la obra original aparecen temas que me encantan y que ya he tratado antes de una forma o de otra, como son el individualismo, la ética frente a la política, la represión, el matrimonio y la familia.

– La obra está divida en cuatro «momentos» con una impronta estilística y referentes radicalmente diferentes entre ellos. ¿Podemos decir que es el espectáculo escénicamente más arriesgado que has llevado a cabo hasta el momento? ¿Con qué desafíos te has enfrentado?Absolutamente. Hace algunos años, me sentía más libre creando. Ahora parece como si tuviera que dar cuenta de algo. Por eso hago ahora esta Antígona, para sacudirme el miedo al criterio del público o, peor aún, el de los teatreros.

Durante el proceso de creación hemos trabajado con referentes estéticos muy variados, desde los grabados sobre el Antiguo Testamento de Gustave Doré hasta el cante jondo de Antonio Mairena, pasando por John Cage, Turina, Goya, Nietzsche, la arquitectura fascista, Ligeti, o el arte cofrade de la Semana Santa. Este último es el más curioso, porque es el que mejor encaja. No olvidemos que el gran triunfo del cristianismo fue hacer que su dios sangrara. Nuestra Antígona lucha por una causa que considera justa, es apresada, torturada, expuesta al pueblo y condenada a morir lapidada. La historia no es tan diferente a la que paseamos por las calles de Sevilla durante la Semana Santa. A mí es algo que me causa muchísima admiración, cómo afecta de esa manera a millones de personas. Ojalá en algún momento de mi carrera hiciera algo tan potente,  que causara tanta emoción en el público, como lo hacen las cofradías.

El mayor reto ha sido superar nuestros propios prejuicios estéticos sobre este collage filosófico-artístico que ha resultado el espectáculo. Así, lo dividimos en cuatro momentos estéticos: los Ritos Órficos griegos (de donde nace nuestro actual teatro), la Ópera Barroca francesa, la Semana Santa y el arte fascista.

De todas formas, me gustaría aclarar que el público podrá ver un espectáculo de teatro que cuenta una historia, no una clase sobre Estética.

– Hemos observado que con respecto a ‘Lorca de Salón’ encontramos de nuevo a Belén Sanz y a Lucía Hernández. ¿Te gustaría contar con un plantel de actores fijo como es el caso de Atalaya? Sí y no. Me gusta contar con gente que sé cómo trabaja y, en este caso, estoy mucho más que satisfecho con el trabajo de estas dos actrices, así como con el resto del elenco de Antígona. Me gusta que haya cierta confianza a la hora de trabajar, pero tampoco debe funcionar esto como una limitación ni para los actores ni para mí. Para «Sylvia Plath is a regular woman» cuento con Paula P. Vargas (también en Antígona). Pasa algo parecido a otros niveles, en el espectáculo hay música original de Javier Campaña (Romeo y Lorca) y José Luis Pérez-Vera (cantaor en Lorca de Salón) nos ha creado una saeta que aparece en un momento de la obra.

En el caso de Atalaya es admirable cómo gran parte del equipo lleva décadas trabajando junto. Director y elenco se conocen perfectamente y eso hace que los espectáculos tengan ese estilo tan propio. En mi caso, aún estoy descubriéndome.

– ¿Qué nos puedes contar del trabajo desarrollado con los actores hasta llegar a la ‘Antigona’ que estrenáis?Los actores han trabajado también como creadores. Yo proponía un artista y ellos extraían materiales concretos. Han creado partituras, gestos del alma, etc. Toda esta búsqueda ha sido un trabajo interesante y sobre todo divertido, también duro a veces. Uno de los ejercicios que hicimos fue convertirnos en torturadores. Sobre un vestido cada uno iba ejerciendo una tortura sistematizada y enumerada. Eso quedó en la obra y en ellos a la hora de interpretar. Ha sido un proceso profundo, de abrir puertas internas, ensanchar el alma, incluso aquellas partes más terribles.

– Por último, nos gustaría que te dirigieras a los espectadores que puedan pensar que esta obra no es para ellos al tratarse de un clásico. ¿Qué claves crees que contiene el espectáculo para que lo puedan disfrutar los no iniciados? Bueno, se me ocurren dos cosas diferentes ante esta pregunta. La primera es que la forma de llevar la historia a escena no es, en absoluto, clásica. Nuestra pretensión es romper todo el tiempo sus expectativas, para tener «la sorpresa» de nuestro lado. Desarmarlo mentalmente para que pueda disfrutar visualmente. Seremos mejores o peores, pero intentamos ofrecer una «Antígona» que nadie antes ha hecho.

La segunda, que una historia sea clásica no significa que sea ajena. Las tragedias griegas son completamente atemporales, sirven para cualquier época. De todas formas, ya lo dijo Egon Schiele: «El arte no debe ser moderno, debe ser eterno».